Entre los premiados del certamen nacional, Cristina Blanco en la categoría de mejor interpretación femenina por su papel protagonista en Ahora no puedo, dirigido por Roser Aguilar, y tercer premio al mejor cortometraje para Chus Domínguez por Notas de lo efímero, un trabajo realizado durante y para el Festival Punto de Vista de Pamplona, uno de esos festivales amenazados de muerte que parece ser que se ha salvado gracias a la presión popular y a los muchos apoyos recibidos por cineastas de todo el mundo.

Vi estos dos trabajos. Cristina Blanco demuestra una vez más en Ahora no puedo que es una gran actriz con unos recursos que parecen no tener límite y una capacidad para hacer fácil lo difícil con pasmosa naturalidad, además de una habilidad para infiltrarse en casi cualquier disciplina sin ningún respeto por las etiquetas (en la última semana la hemos visto dirigiendo un proyecto audiovisual y escénico en el Reina Sofía con los alumnos del master de creación escénica al mismo tiempo que realizaba versiones de edificios emblemáticos con objetos junto al arquitecto Luis Úrculo en el encuentro internacional de Arte y Acción mientras nos explicaba la historia del nacimiento y muerte de Europe y su single The Final Countdown). Hablo desde mi condición de fan. Su actuación sostiene prácticamente este cortometraje y lo hace creíble y hasta emocionante por momentos. Un cortometraje nada experimental, de corte más bien convencional y con acabados totalmente de industria del cine, que deposita todo el peso en esta actriz que no para de sorprendernos a los que la seguimos desde hace un tiempo en su faceta de creadora escénica, performer, intérprete, bailarina, videoartista, músico, conferenciante y bloguera. En la entrega de premios, Cristina dio las gracias a la directora Roser Aguilar por darle el papel sin conocerla. Bueno, yo añadiría que sin conocerla de nada más que por haber ido a verla a la representación de The Croquis en Figueres, en la desaparecida programación que Cèl·lula presentó durante algún tiempo en esa ciudad del Ampurdà. Los que la vieron sosteniendo ese solo creado a cuatro manos con Cuqui Jerez seguramente entenderán por qué a Roser no le hizo falta más. Cristina también dio las gracias a todo el equipo que la arropó en el rodaje y, por un momento, pensé que soltaría el discurso de recogida del Óscar que aparece en The Croquis, pero no. Fue una lástima porque hubiese animado la gala en el Teatro Salón Cervantes de Alcalá, que al menos fue corta.

Lo de Chus Domínguez, Notas de lo efímero, es fiel a su estilo. Está rodado como un cuaderno de notas sobre la estancia de Chus en la pensión Eslava, en el casco antiguo de Pamplona y filmadas como se vive: sin volver atrás, asumiendo los errores, asomándose a vidas fugaces que llegan y se van, como apuntes sobre el inexorable paso del tiempo. Es decir, Chus se fue 20 días a una pensión y se puso a filmar él solo con una cámara. Cada día montaba lo del día anterior y seguía. La norma era no revisar lo ya montado, seguir adelante siempre. Para algunos espectadores la proyección fue insoportable. Para mí fue de lo mejor que vi en el festival. En la misma sesión de proyección se mostraron trabajos muy diferentes: desde Ahora no puedo a un corto de 30 segundos como Flatmates 3.0 de Francesco Marisei, que reconocí porque ya lo había visto en Internet aquí.

Después de asistir a esa sesión tuve varias conversaciones sobre el tema este de la mezcla con gente diferente. Los acostumbrados al cine más convencional odiaron a Chus. Muchas veces también pasa lo contrario, algunos seguidores del cine iraní se remueven en sus asientos con las pelis de acción o, como diría Susana Zaragoza, con el chorradismo. Pasa en el cine como en las artes escénicas o la música. Con lo bonito que es comer de todo.

Volviendo a Chus, a quien le interese ver el corto premiado, puede acercarse por La Casa Encendida el día 29 de noviembre, donde proyectan ese y otros trabajos de él. El 22 también hay otra sesión de trabajos de Chus, a quien la Casa Encendida le está dedicando un monográfico. Y el día 1 de diciembre, como colofón, Chus será el conductor de la videoplaylist de la Casa Encendida. Chus ya firmó la videoplaylist de febrero en TEATRON. Se la recomiendo a los interesados en su trabajo y a los que no lo conozcan aún.

Por lo demás, lo que más me impresionó del festival fue el primer premio del certamen europeo: Claes de Martina Carlstedt. Un impresionante viaje casi sin salir apenas de la casa de Claes, un señor sueco que nos muestra su vida encerrado en casa, con sus miedos y sus quejas continuas, que es al mismo tiempo desternillante y terrible. El cariño que ha puesto Martina Carlstedt en su mirada y el acompañamiento continuo de su viejo amigo durante los 6 meses que duró el rodaje me sacudió los sesos y me dejó con un montón de preguntas sobre la vida de Claes y la mía propia. He encontrado esta entrevista a Martina sobre su impresionante película a la que le deseo mucha suerte.

Y para rematar, Trash entre amigos, a las 12 de la noche en la enorme sala de cine de El sueño de Lola, un impresionante local de Alcalá donde tomarte algo y echarte un bailecito en sus varias salas. Una propuesta de (copio y pego) Sr. Ausente –autor de El blog Ausente-, Ruben Lardín – reputado gourmet de la serie B, con notable bibliografía-, Raúl Minchinela –responsable de Reflexiones de Repronto- y Nacho Vigalondo -director de Los Cronocrímenes. Trash entre amigos lleva ya algún tiempo realizándose de manera itinerante. De hecho, cualquiera puede contratarlos desde su página web. Básicamente, alguien de entre ellos escoge una película para proyectar (en este caso varias pelis cortas ya que estaban en un festival de cortos). Preferiblemente de serie B o Z. El resto no saben lo que van a ver. Los participantes se sientan en las butacas del cine junto al resto de público. Sólo que ellos tienen unos micros inalámbricos que utilizarán sin parar durante toda la proyección para que escuchemos sus comentarios sobre lo que vamos viendo. Ya que el cine ha desembarcado en el salón de nuestras casas con pantallas de alta definición y dolby surround, el objetivo es llevar el salón de casa al cine y convertirlo en una experiencia compartida con la participación del público. La libertad en los comentarios, sarcásticos, inteligentes y chorradistas, fue absoluta, la selección exquisita y el público, que abarrotaba la sala se murió de la risa, gritó para hacerse oír y aplaudió a rabiar. Me recordó al espíritu del fallecido F.E.A. Festival. Aunque a esas horas de la noche y después de la gala de entrega de premios yo ya no podía ni tenerme en pie, Trash entre amigos alimentó como nunca mis ganas de seguir riéndome de todo hasta la muerte. Con armas así con las que espantar al miedo y la angustia existencial, somos invencibles.

Comenzó La estrategia doméstica. Segunda edición, siempre en Carcelona. Para quien no sepa de qué va: La estrategia es un festival de cuatro días que organiza presentaciones artísticas en entornos caseros. Comenzó ayer jueves y acaba el domingo. Para los amantes de la historia les recomiendo el post que publicó Marc Caellas hace justo un año en su blog. Por cierto, Marc, el inventor de la justa marca Carcelona, acaba de publicar libro con el mismo nombre que su blog pero con un 80% de material nuevo escrito para la ocasión, si creemos a Marc, que parece un tipo de fiar. Y parece que la marca se propaga: mañana se presenta en Miscelanea un fanzine con el mismo nombre en el que me parece que Marc Caellas no tiene nada que ver. Espero que al ayuntamiento no se le ocurra retirar el libro de las librerias de sus museos, como ha pasado con los pins incívicos que se vendían en el museo de historia. O mejor sí, que los retiren, así se arma un pollo, el mensaje llega a más público y Marc igual se puede retirar a las Bahamas con los beneficios que le dé su libro a costa de fustigar a Carcelona, que se merece eso y mucho más. Vale, los pocos festivales que programan alguna cosa medio interesante son liquidados sin contemplación por nuestras autoridades competentes alegando motivos económicos. Estas son las mismas autoridades que se han gastado nuestro dinero en megaedificios que han costado una pasta y que están absolutamente vacíos o, lo que es casi peor, llenos de algo a lo que llaman arte pero que nos parecen más vacíos que el cuerpo de un zombi. Los profetas gritan por la calle que el mundo se va a la mierda y nosotros con él. La cultura no tiene salvación y vamos a morir todos. Y en eso un par de colegas se monta un festival gratuito en casas y locales privados y lo pagan de su bolsillo sin pedir subvención ni patrocinios ni cobrar entrada ni nada y encima te invitan a una copita de vino. Piden a la gente la voluntad para sufragar los gastos de viaje y la comida de los artistas, pero sin insistir demasiado hasta el punto que muchas veces se olvidan de colocar el bote a la vista para que el público, en la salida, se acuerde de poner algo. Montan una primera edición y les funciona. Repito: les funciona, es decir, estarán razonablemente satisfechos con lo que ha pasado, lo habrán pasado bien, la gente lo habrá apreciado, se habrán enriquecido todos, público, artistas y organizadores. Repito: se habrán enriquecido humanamente, artísticamente, intelectualmente, anímicamente… Hay muchas maneras de enriquecerse y de crear riqueza. No toda la riqueza pasa por la taquilla. No todo el beneficio es económico. No todo lo productivo es cuantificable. Lo productivo a veces es una caca. Fabricar y vender armas es super productivo. La estrategia doméstica es una ruina pero da notables beneficios. A sus organizadores porque si no supongo que no repetirían, porque montar un festival es un curro que te cagas. Y al público y a los artistas, que tampoco cobran. Así que, a parte del dinero, hay otro tipo de beneficios, hay vida más allá y en la propia Carcelona. De hecho, nos hemos enterado de que han surgido por ahí otros festivales por el estilo, por Madrid y Berlín (Living Room Festival) y Santiago de Chile (Escéna Doméstica), cada uno con su idiosincrasia pero compartiendo estos beneficiosos métodos de producción. Así que el concepto funciona, para los fans de esa manoseada palabreja que, a partir de ahora, en vez de combatirla creo que me voy a apoderar de ella, como hacen los fans de funciona con otras palabras que no les pertenecen y que significan cosas muy diferentes de los significados que, después de retorcerlas hasta la muerte, les acaban dando.

En realidad yo quería escribir sobre las dos primeras actuaciones de La estrategia: Esta noche me gustaría palparte de Jaime Conde-Salazar y Unmistakable bodies: Vol.1 de Cecilia Vallejos. Las dos muy recomendables y, por descontado, muy alejadas de la espectacularidad, muy íntimas, despojadas de pretensión, hechas a base de sobrecitos, tarjetas, fotografías, retazos de vida, cosas sencillas y mucha imaginación. Cecilia no repite pero la de Jaime se puede ver hasta el sábado. Pero la programación está repleta de movidas. Elija la suya y no deje que se lo cuenten.

Como no les dieron los permisos la poli impedía que la mani pisase la calzada. Íbamos todos por las aceras. Era jodido. Nos llevaban como a un rebaño. Cuando estábamos ya muy cerca la poli permitió que entrásemos en la calzada para penetrar a Times Square. La gente gritaba con mucha más violencia que la que uno puede observar en las manis del 15-M en España. Pero era una encerrona. Luego la poli vino con motos y furgonas empujando por detrás para que les abriéramos paso. Hubo mucha tensión pero al final no pasó nada. Los polis entraron con caballos por la calzada mientras miles de personas se agolpaban en las aceras en Times Square. A mi lado estaba Michael Moore. Él y su barriga ocupaban toda una acera. Times Square está lleno de pantallas luminosas gigantes, parece el Gran Hermano de George Orwell. Chicas adolescentes hacían streapteases para nosotros desde esas pantallas vendiendo algo, no sabría decir el qué. Eso nos entretenía mientras nos observábamos mutuamente los polis yankies y nosotros. Cuando me cansé un par de horas después me puse a caminar por Broadway. En un teatro la gente hacía cola para ver a Woody Allen esa noche con John Turturro en una obra de uno de los Cohen (o de los dos, no sé). Estuve a punto de hacer cola pero me fui a Harlem, que pensé que sería más interesante todavía. Harlem es muy interesante. Hay avenidas con nombres como Malcom X, que ahora sería lo que llamamos un violento, me parece. Los negros se cortan el pelo en cientos de peluquerías como las que los dominicanos tienen en Barcelona, pero en más grande. Se oía hip-hop todo el rato saliendo de coches en marcha o aparcados. Los chavales se ríen y juegan a básket por la calle. En una calle por fin vi mendigos tirados en el suelo pero no tuve en ningún momento la sensación de mal rollo del Bronx. ¿Cómo se convierte un barrio cualquiera del extrarradio en un lugar como Williamsbourg? Williamsbourg está más allá de uno de los puentes que une la isla de Manhattan y Brooklyn. Es un barrio modernillo con bares y restaurantes modernillos y tiendas modernillas. Es el London Calling de Nueva York. Encontrarás todo tipo de artistas jóvenes y ya no tan jóvenes. Dicen que ahora el rollo se mueve aún más allá de Williamsbourg. Podría ser el Bronx pero ahora es una cosa guapa. ¿Cómo va esto? ¿Es generación espontánea? ¿Está todo diseñado? ¿Qué hay que hacer para tener un barrio modernillo y barato en tu ciudad? Porque no nos engañemos: da repelús pero mola. Como el London Calling. Alguien ha publicado una crítica de The Rehearsal en The New York Times. The Rehearsal forma parte del proyecto The Neverstarting Story de Cristina Blanco, las Jerez y Amaia Urra. De ese proyecto salieron cuatro cosas dirigidas por cada una de ellas: The Setup (Cristina Blanco), The Rehearsal (Cuqui Jerez), The Movie (María Jerez) y The Thing (Amaia Urra). Decidieron no trabajar por consenso, por eso cada una de ellas dirigió una cosa. Decidieron algo así como que las ideas no tenían propietario, por eso nunca puedes dar por supuesto que sabes de quién proviene cada idea cuando ves cualquiera de los artefactos que crearon. En pleno siglo XXI creo que toda creación es siempre colectiva. Pero aún mola firmar los trabajos. Aún molan los nombres. Anne Teresa de Keersmaeker le ha puesto una denuncia a Beyoncé por plagiarle un par de coreografías suyas en su último videoclip. Yo si fuese Anne Teresa estaría orgulloso. He tardado una hora en escribir esto. Escribo esto influenciado, que yo sepa, por la entrevista a Guillem Martínez en Nativa y por el último post del gacetillero Pablo Caruana. Los dos me han hecho pensar. Creo necesario publicar más. Creo necesarias nuevas actitudes.

Paz Rojo, El conde de Torrefiel, Patricia Caballero, cuánto talento. Soy un desgraciado fracasado: he volado a Nueva York. London Calling. Nueva York era (lo que El conde de Torrefiel definió el sábado noche como) London Calling en los 80 pero en pleno siglo XXI eres un paleto si no has estado ya en Nueva York. Esto me consuela, no es tan radical y subversivo como pasar la tarde con un transexual bien dotado en tu ciudad pero al menos no voy en dirección a Berlín, menos mal. Allí ya sabemos que no se ve ni una vieja, las tienen escondidas y encerradas. También me consuela bastante ver el cuadrilátero del sábado noche de SISMO en Matadero convertido en una cancha de basket con Txalo Toloza, Celso (La Tristura), Pablo (Conde de Torrefiel) y tres tipos más a quienes no tengo el placer de conocer jugando un tres contra tres con gran maestría mientras sonaba Chopin. En mi época de músico adolescente pasé muchas tardes jugando a basket en la canasta del patio de la casa de un colega y recuerdo como algo muy especial algún día que mi colega se bajó el radiocasette para jugar un uno contra uno con los conciertos para piano y orquesta de Mozart sonando de fondo. Menudos frikies. Hoy pienso que igual eso sí que era ser subversivo y no hacerse el punk como los chicos malos oficiales de mi barrio. Gracias, Conde. Con Pompeia estuvimos a punto de montar una cancha de tenis en Matadero, en el primer SISMO, y poner a DJ Nefando a pinchar electropop mientras nosotros jugábamos. Pero Teo Baró no estuvo nada de acuerdo porque le parecía una tomadura de pelo y un escaqueo. Nos dejamos convencer absurdamente porque todo el mundo sabe que Teo siempre ha sido el líder en la sombra allá donde se encuentre, pero el autoproclamado líder y yo siempre nos hemos arrepentido de no haber seguido nuestros impulsos naturales. Perdimos nuestra oportunidad. Teo siempre quiso traer una charanga de pueblo a tocar Paquito el chocolatero en aquella mítica Noche Salvaje de La Porta en la que emocionó a todo un CCCB lleno hasta la bandera con su “Otro sábado noche”. Pero al final no pudo ser y lo máximo que consiguió es que un servidor le tocase la conga del Jalisco con una melódica de juguete que compramos en Shangay, que no es exactamente lo mismo (y además qué fracaso viajar a China, claro). Pero el Conde sí, el Conde se trajo a la gran Charanga La alegría.com a la nave 16 de Matadero, con un par. Bueno, bueno, bueno. ¡Qué nivel!

Poco antes, la nave casi se viene abajo con “Lo que sea moviéndose así” Paz Rojo. Hacía tiempo que no presenciaba una ovación tan larga en este tipo de contextos, más de 200 personas (¿o eran más?) reclamaron a Paz que saliera a recoger los saludos una y otra vez. Algunos que ya la habíamos visto en su estreno en las Noches Lego del LP’11 de La Porta, lo disfrutamos igual que si fuese la primera vez, podríamos estar horas viendo a Paz moverse así. De hecho, algunos creen que no es necesario añadirle más elementos al plato que cocina Paz, música, voz, visuales, que sólo con su excelente trabajo de cuerpo ya es más que suficiente. Ya, pero luego tararean a Rihanna hasta la muerte. ¿Por qué Rihanna mezclada con Agamben? Y yo qué sé, ella sabrá. Hay algo misterioso en “Lo que sea”. Quizá mejor no explicarlo demasiado. Y quizá es más bello aún cuando no sale perfecto, cuando algo se escapa fuera de control. La perfección es tan aburrida, tan London Calling.

Patricia Caballero no es perfecta, no podrá conseguir siempre que todo un estadio llore con “Aquí gloria y después paz”. Pero no es London Calling. En el cuadrilátero es una joven que habla como una vieja emocionada. Hay muchas maneras de vivir pero, como dijo Ernesto Collado la semana pasada, mientras nos emocionemos como viejas seremos eternamente jóvenes. Patricia ha construido una de las mejores piezas (¿pieza? ¿la llamamos así?) que he visto en el último año. Ahora sabemos que esa construcción es extremadamente frágil, la nave 16 y el micro de Madonna, visto a toro pasado, quizá no sean el contexto más propicio. Pero quien tenga ojos que vea y quien tenga oídos que oiga. “Aquí gloria y después paz” a mí me parece el anti London Calling. Enhorabuena a SISMO por reunir en Matadero Madrid a estos tres magníficos trabajos que demuestran que la escena española está algo más que viva. Enhorabuena a La Porta por la parte que le toca al haber ayudado a que estos trabajos vieran la luz. Enhorabuena a los dos por los puentes que se tienden entre Madrid y Barcelona. El sábado la nave 16 estaba a tope, se quedó gente fuera. A quien corresponda: abran los ojos y las orejas, por favor, conviértanlos en los cabezas de cartel de sus festivales, de sus teatros y de sus eventos. Es una lástima que no se llenen los escenarios con todo este talento. Con el de estos y con el de todos los demás como ellos, que son muchos y variados. Es obsceno que sigan siendo ignorados por mucho tiempo más. Si quieren hacer algo de verdad por la cultura española y sus verdaderos creadores páguenles lo que se merecen para que sigan haciendo su trabajo: nos hacen disfrutar, nos hacen pensar, nos emocionan, nos elevan.

Me recuerdo como una vieja emocionada presenciando la última performance de la historia de MAPA. A las 7 de la tarde, domingo, Pontós, Alt Empordà. No me imagino mejor elección que Nilo Gallego para clausurar definitivamente este entrañable festival con 8 años de historia. No sólo porque Nilo sea un crack. O porque suela juntarse con una familia de colaboradores igual de cracks que él, como Chus Domínguez y Noemí Fidalgo. Ni por lo fino que hila. Sobre todo porque que Nilo estuviese al frente del último recorrido de MAPA por los bosques de Pontós es super coherente. Coherente con el estilo propio de MAPA. Al menos hasta donde a mí me alcanza la memoria, MAPA se ha caracterizado por lanzarse por el sendero salvaje del site-specific poniendo patas arriba el pequeño pueblo de doscientos y pico habitantes donde se celebra el festival. Y después de todos estos años han conseguido implicar a todo Pontós en su movida, una movida modernilla que al principio me imagino que debió levantar suspicacias de todo tipo entre los lugareños (y aún las levantará, seguro) pero que, con el paso de los años, parece que ha dejado huella. El pueblo que al principio les decía “a mí no me engañáis, vosotros sois de una sexta”. Ese pueblo, precisamente, era el tema de esta edición y estuvo presente más que nunca. A mí me pareció un homenaje, un homenaje al pueblo, en todos los sentidos.

Llegué a Pontós el domingo a la una y pico, así que ni siquiera vi el episodio final entero. Pero cuando llegué ya me encontré con la primera sorpresa: Barbara i Els Morenos cantando cancioncillas para un público infantil. No voy a molestarme en defender el género, me pilla bastante lejos. Pero escuchando a Barbara y sus colegas pensé que los pobres chavales no se merecen el tormento al que los intentan someter cuando les exponen al género de la canción infantil en sus peores manifestaciones. Yo mismo recuerdo haberlo pasado bastante mal cuando era niño y comenzaba a estudiar música. Estuve a punto de dejarlo por las torturas en forma de canción infantil a las que me sometieron durante un año seguido. Los niños no se merecen eso. Pero por suerte hay gente en este mundo que se encarga de dignificar un género seguramente necesario, alejándose de los peores vicios. Barbara Van Hoestenberghe, músico belga de exquisita sensibilidad, es una de ellas. Vive en Pontós y, según dice, para aprender catalán se ha dedicado a aprender canciones populares infantiles viajando en furgoneta con su grabadora en mano. Una vez instalada en Pontós los vecinos le han enseñado más canciones y algunos hasta las cantan en el CD libro que ha hecho Barbara con sus versiones. Vale, la primera en la frente. Canción infantil folk-pop-experimental exquisita, que te deja con cara de tonto pensando en la coherencia de dedicarle un festival al pueblo comenzando por ahí, por los niños del pueblo, sin bajar el listón ni tratar a los niños como si fuesen tontos.

Luego, paella popular al aire libre resguardados bajo los árboles de la casa de colonias y antiguo convento. Está bien comprobar cómo los del pueblo se mezclan con los forasteros culturetas que forman el público del festival, además de con los artistas que llevan ya unos días en el convento preparando sus actuaciones. Como suele pasar, al final nos acabamos conociendo todos y los que no saludas te suenan de vista. Es verdad que MAPA nunca se ha caracterizado por el virtuosismo gastronómico. Excepto el restaurante Can Cassoletes, donde sirven unas comidas excelentes, el rancho de la casa de colonias calma el hambre pero no alimenta el espíritu. Con la paella pasa lo mismo, suele ser de batalla, los valencianos no quieren ni oír hablar de que le llamen así, paella, pero se diría que este año hasta sabía mejor y, como tirando la casa por la ventana, si te quedabas con hambre había butifarra de segundo. Vivimos en un trozo del mundo donde el pueblo ha dedicado mucha energía y creatividad a la cultura gastronómica, uno de los placeres más populares que hoy en día está al alcance de todos. La paella de MAPA tenía algo de romería de final del verano. En ese sentido siempre ha valido la pena. Otro día hablamos de los festivales y encuentros que llevan el placer gastronómico más allá. En este caso me quedo con la emoción de la abuela cuando ve al pueblo reunido alrededor de unas mesas. Pueblo de Pontós y pueblo de modernos culturetas, que forman un pueblo transgeográfico, lo queramos o no, una comunidad en la que estamos metidos hasta el cuello. Para bien y para mal. Adentrémonos en estos pensamientos.

Y bien, después de la paella, el café y la tertulia, subimos al castillo para presenciar Pueblo, la creación colectiva, que algunos pensábamos que era de David Cauquil y que otros decían que no, que Cauquil sólo era el responsable de una instalación tipo monumento turístico que también estaba colocada en lo alto del monte donde están las ruinas del castillo y que mostraba la panorámica de Pontós dibujada junto a algunos hitos de la historia del pueblo. En fin, hay cierta confusión al respecto que también parece coherente con lo que allí presenciamos, que fue maravilloso. El pueblo convertido en un escenario vasto e impresionante y sus habitantes convertidos en actores de un magnífico y emocionante cuadro vivo, una especie de cine sin pantalla, muy Tati, con banda sonora de película, a veces de spaghetti western, a veces de musical de los 60, con extraordinarios y sencillos efectos especiales, un despliegue creativo de una coherencia enorme con todo este festival y con el tema de este año. Yo qué sé, durante toda esa jornada, igual que en los días previos al festival, me dio la impresión que nadie quería darle mayor importancia a que MAPA se muriese. No se utilizaron argumentos económicos para justificar el cierre, al contrario, no se le quiso dar más importancia. Me parece bien esta actitud pero yo me emocionaba como una vieja sin remedio. Esto que se ha liado en MAPA durante estos años ha sido muy gordo, que lo sepáis. Y eso me lleva a pensar en la importancia de todo esto. En la importancia de seguir montando movidas, en la actividad que cada cual lleva a cabo en el seno de la, llamémosla así, “comunidad”. No encuentro otra palabra para definirla, veo comunidad por todas partes, quizá esté algo enfermo. Dudo constantemente del valor de tanta acción. Pero ante fenómenos como este último episodio de MAPA, por ejemplo, me rindo ante la evidencia: el mundo sería mucho más jodido si renunciásemos a la acción.

Y para acabar, Nilo y sus secuaces: Chus y Noemí, siento no conocer el nombre de los demás. No tengo palabras y me quito el sombrero ante su trabajo. Hace un año me dejaron mudo en la fábrica Beta de Bilbao. Esta vez, imagino que absolutamente conscientes de lo que es este festival, porque lo conocen muy bien, ya han estado otras veces, ya han hecho talleres de percusión con los chavales hace años y se nota un huevo porque, como se vio en el recorrido final, en este pueblo parece que todos lo chavales tocan la batería como si Pontós fuese Seattle en los 90, pues conscientes como son, homenajearon al pueblo y su entorno natural, de nuevo, poniéndolos en el centro de su creación: mayores y niños, el alcalde y las bestias. Las acciones que proponen no suelen ser lo que se entiende por espectaculares, al contrario. Pero pones una detrás de otra y la cosa se va llenando, se va llenando, y al final siempre hay algún momento en que, de nuevo te descubres como una vieja emocionada y no sabes por qué. Puedes ser muy bueno en lo que haces, puedes ser el mejor, el más hábil, pero hay gente que construye cositas que, además de ser bellas e ingeniosas, transmiten algo alrededor de la humildad, la sencillez, el buen rollo, la emoción y el respeto y la consciencia a través de la contemplación de lo humano y el mundo en el que vivimos, que va más allá, precisamente gracias a no darle mayor importancia, a no darse mayor importancia. No sé si con estas torpes palabras, a las que los críticos les pueden sacar toda la punta que se propongan, no sé si con este encendido elogio hago algún favor a Nilo, a Chus y a Noemí. Pero como lo digo lo siento.

No he hablado de todo lo que sucedió en MAPA porque no estuve en todo: Raúl Alaejos, Accidents Polipoètics, la experiencia de poner un espectador en las mesas de la gente del pueblo (que me han dicho que en algún caso elevó el nivel gastronómico del festi), etc…

Parece mentira como este tipo de eventos increíbles permanecen tan ocultos. Como es habitual en estos casos, poco he encontrado por ahí publicado sobre el tema (excepto el vídeo que grabó Txalo Toloza). Sólo he encontrado esta entrevista a Tomàs Aragay para Hoy empieza todo, de Radio 3, que comparto aquí con vosotros.

En fin, que no se pierda toda esta energía, por favor. MAPA vivirá en nuestra memoria de viejas emocionadas.

Comenzó el Festival de otoño en primavera de Madrid. Sí, otoño en primavera. Me acerqué a las Naves del Español en Matadero a ver una del reconocidísimo Romeo Castellucci: On the concept…, un evidente homenaje no declarado a Xubileo 2008 de Antonio de la Rosa, pero en caro y algo más largo. El artista homenajeado asistió a la representación desde la más absoluta discreción.

Esta fue la máquina de escribir de Henry Miller (según dicen).

A mí me pasa lo contrario de eso que dicen por ahí que les pasa a algunos que publican en sus blogs “a la antigua”: hoy tengo que escribir este post en un Word y me siento raro porque no puedo escribir desde mi propio blog. Escribo en un avión después de un sueñecito reparador y en el avión no dispongo de conexión a Internet. Cuando me despierto, por la mañana o después de una siesta, como hoy, me suele pasar que tengo unos minutos de subidón que si aprovecho para escribir suelen dar mucho de sí para lo que es mi nivel habitual. Si no aprovecho ese estado y me subo a la ola, lo más normal es que lo que quería escribir no lo acabe escribiendo jamás. Es como si estuviese un poco borracho, también dicen por ahí que los borrachos dicen la verdad. Bueno, la verdad… dirán lo que les pasa por la cabeza en ese momento, un momento en el que van bastante sueltos y se atreven a decir inconveniencias de las que luego se arrepienten a menudo cuando están sobrios y les recuerdas las “verdades” que dijeron. Si tuviera Internet ahora buscaría en google cómo se llama exactamente ese discursito de disculpa que pronunciaban antiguamente en el teatro al inicio de la función,“captatio benevolae”, creo que se llama, en el que el autor de la pieza se disculpaba por si acaso lo que los espectadores iban a contemplar no era de su completo agrado. Me parece que yo estoy haciendo algo parecido con toda esta larguísima introducción, más acorde con el tamaño de lo que es apropiado escribir en el medio impreso, según creen algunos, y no apta para el medio digital, según la misma gente (¿o no son los mismos?). A mí me da igual, vuelvo de Budapest a Madrid y aunque me he pegado una siesta de tres cuartos de hora y he tardado un rato en decidirme a escribir, aún me quedan dos horas de viaje y la batería del mac que le he pillado a mi novia dura que te cagas. Tengo mucho tiempo y nada más que hacer.

No es cierto, podría hacer otras cosas. Podría leer una novela de Henry Miller de los años 30, si no me equivoco, como no tengo Internet no puedo comprobarlo, aunque quizás lo ponga en la tapa del libro, pero para llegar hasta el libro tendría que buscarlo en la bolsa del ordenador y me da mucha pereza porque en los aviones cualquier movimiento es muy costoso y hay que molestar a mucha gente, entendedme, comprobad vosotros de qué año es “Trópico de Cáncer”, vosotros sí que debéis tener Internet si estáis leyendo esto porque al final me he decido a publicarlo cuando se me haya pasado el subidón.

Nos vamos acercando al tema del que quería hablaros. No es cierto, nos vamos acercando a la experiencia que ha dado pie a que escriba desde hace un rato en círculos concéntricos alrededor de lo que ha provocado en mí asistir a la representación de “Mikrokosmos” de Anne Teresa de Keersmaeker, ayer por la noche en Trafó, Budapest. Como no tengo Internet ni ningún programa de mano, no puedo ni contrastar el nombre de su autora, ni ningún dato sobre la pieza, pero recuerdo que una de las programadoras de Trafó dijo que era de los 80, de hace 24 años, recuerdo haber hecho ese cálculo mientras me acomodaba como podía en una de las escaleras laterales desde donde nos permitieron asistir a la representación. “Mikrokosmos” es una obra para piano de Béla Bartók, para quien no lo conozca, compositor húngaro y uno de los compositores más destacados de la primera mitad del siglo XX. Bartók fue un renovador, con un lenguaje propio que parte de múltiples referencias, de los creadores musicales que le rodeaban en su tiempo, un tiempo de profundos cambios en el lenguaje musical, Schoenberg, Satie, Debussy, Stravinsky, por citar unos ejemplos, pero también de un profundo conocimiento del pasado musical europeo, con Bach a la cabeza, y de una investigación de campo muy personal sobre el folklore húngaro y de otros pueblos vecinos y no tan vecinos. Bartók, antes de los años 30, salió a grabar a la gente de los pueblos para registrar esa creación popular y colectiva, casi infinita, anónima y sin derechos de autor, que es el folklore. Encontró de todo, encontró formas que no se encontraban ya en la llamada música culta (si es que en algún momento se llegaron a encontrar ahí, algunas sí y otras no: ¿quién decidirá eso? ¿los señores con barba y mallas?), ritmos complejos, armonías extrañas, contrapuntos muy locos… Y todo ese material que recopiló lo estudió, lo procesó, perdió unas cuantas maletas repletas de él cuando los nazis entraron en Hungría y él tuvo que escapar a los Estados Unidos por haber pertenecido en algún momento al partido comunista, creo (no tengo Internet para comprobarlo pero me leí un par de biografías sobre su vida hace más de 10 años, no recuerdo de quién) y, lo más valioso, para mí y para muchos otros, es que partiendo de ese material creó su propia música, una música moderna que, para los que no conozcan a Bartók y estén comenzando a poner cara de escepticismo, en muchos casos no recuerda para nada a las danzas y coros húngaros, sino que se sitúa en la vanguardia de comienzos del siglo XX de un modo absolutamente personal.

Por cierto que no fue el único folklorista que se dedicó a investigar lo que pasaba por los pueblos húngaros. Nuestra traductora de español en Budapest, Imola, nos explicó que su madre fue una de ellas. No quiero apartarme mucho del tema pero, por lo visto, encontró a una mujer en Transilvania que escribió la tercera parte de la Biblia. Si la primera parte, el Antiguo Testamento, es la del Padre, Yahvé, y la segunda, el Nuevo Testamento, la del hijo, Jesús, ella escribió la parte que falta, la del Espíritu Santo y eso dio pie a una comunidad de simpáticos herejes que la siguió en esos pueblos recónditos y que se dedicaron a hacer el bien solidario en una zona donde hasta hace poco aún trabajaban la tierra con arados. Ay, el Imperio Austrohúngaro. Pero volvamos a Bartók.

El Mikrokosmos de Béla Bartók es una obra de seis volúmenes concebida como un método pedagógico para enseñar a uno de sus hijos a tocar el piano moderno desde el nivel cero hasta un nivel de virtuosismo bastante elevado. Por lo visto, según explica su propio hijo, Bartók escribía en un momento las primeras piezas sencillas incluídas en ese libro, delante del alumno, su propio hijo, y a continuación se las enseñaba a tocar. Mikrokosmos te enseña a tocar el piano, pero te enseña a la manera de Bartók, es decir, mientras aprendes a tocar también aprendes un sistema musical propio de Bartók con un lenguaje moderno en su momento que es un compendio del ecosistema creativo de Bartók en los años 30-40. Yo aprendí a tocar con el Mikrokosmos en los años 80 y me eduqué con él hasta los años 90, por en medio Anne Teresa de Keersmaeker creó para Rosas la pieza que ayer vi, que toma su nombre, aunque sólo en un principio dos pianistas interpretan algunas piezas del Mikrokosmos a dos pianos, luego también hay música de Bartók para dos pianos y uno de sus cuartetos de cuerda, pero lo que se interpreta en medio, con dos pianos también, es de Ligeti, otro tremendo compositor húngaro, que murió hace cinco años. Amo a Bartók, me he educado con él, me abrió la puerta a la música contemporánea y, de paso, al arte contemporáneo (es lo mismo) y es mi mayor conexión con Hungría, un país que abandono hoy después de vivir en él la última semana.

Anne Teresa de Keersmaeker también debe amar a Bartók, o al menos lo debió amar en su día, cuando creó esta pieza. No sé si los excelentes intérpretes de su compañía, con los que he compartido hotel y desayuno estos días, lo aman también, pero estoy seguro que quienes sí que lo aman son los músicos que actuaban ayer. Es una música de una interpretación en algunos casos muy compleja, no apta para todos los paladares. Ellos la interpretaron muy bien y creo que hay que amar esa música para interpretarla de esa manera, no creo que se metan en estos berenjenales pudiendo escoger. Aunque no tengo ni idea de nada de lo que escribo, por supuesto.

Pero estoy muy sorprendido. Bartók, después de 80 años, es muy curioso pero aguanta muy bien como creador de un lenguaje propio y contemporáneo (contemporáneo de los años 30-40 originariamente) pero la pieza de Anne Teresa de Kersmaker… me huele a cursi, por decirlo suavemente y sin faltarle el respeto a esta reconocida coreógrafa. Los intérpretes están obligados a dar giros y más giros, constantemente, no les está permitido caminar recto más de dos o tres pasos. A mí, siendo bruto, en relación a la música que utilizan, me recuerda más al ballet clásico que a un lenguaje innovador del siglo XX como lo es el de Bartók, teniendo en cuenta, además, que la creación de Bartók es 40 años anterior a la de Rosas, la compañía de Keersmaeker, no así lo que escuchamos de Ligeti, que juraría que es de los 70. Es como si no le hubiese pillado el punto a la música de Bartók. Lo hace parecer ridículo o pretencioso, cuando no toca. No me parece que capte su humor o sus juegos abstractos, conceptuales o, incluso, metafísicos, como en el movimiento lento del cuarteto número 4, que los magníficos músicos interpretan en la pieza. Es una especie de parodia sobre su música. Me parece una traición y me enervo. Luego me calmo y me digo, Rubén, relájate, es su propuesta, nada más que su propuesta. Está todo super trabajado, tampoco es la gran horterada, no le quites valor, no te comportes como los nazis que tanto criticas, simplemente “no te gusta”, es sólo eso, “gusto”, “estética”. Pero luego me vuelvo a cabrear, porque pienso que Luis Cobos también nos presenta su propuesta sobre Beethoven y, aunque le guardemos algún respeto, al menos, no lo consideramos como un gran creador contemporáneo de prestigio. Pero eso no es culpa de Keersmaeker, ¿no? Eso es culpa de los que parten el bacalao, joder. ¿O algo tendrá que ver ella? ¿Es cómplice? ¿Está de parte de las fuerzas del mal? ¿Ahora va a resultar que me molesta por temas políticos? Pero hombre, Rubén, te vas muy pero que muy lejos. Anne Teresa de Keersmaeker no es ni mucho menos Luis Cobos, por Dios. Anne Teresa se lo curra y sus pupilos no digamos, eso merece un respeto muy gordo, pero en mi opinión es una lástima que no dejen en paz al pobre Bartók y lo utilicen de esta manera, ahora que está muerto y no puede dar su opinión sobre este tipo de coreografías. Si al menos se pitorrease de él, pero es peor, es un homenaje. Me da mucha pena. Pero ¿por qué? Aplicando la misma regla de tres, Sergi Fäustino no debería utilizar a Schubert en su f.r.a.n.z.p.e.t.e.r. ¿Habrá gente a quien le pase lo mismo en ese caso? Seguramente, aunque quiero pensar que, al menos en la última versión de f.r.an.z.p.e.t.e.r. hay que ser muy retorcido para no ver el respeto que se muestra por la persona y la obra de Schubert. Pero esto seguramente es una opinión más. ¿O no? Anne Teresa seguro que le tiene mucho respeto y amor a Bartók, ¿cómo dudarlo?. Es un horror, me toca los cojones que Rosas utilice a Bartók de esta manera, con sus cien mil giros tirabuzones para avanzar en línea recta, pero tampoco me creo en el derecho de criticarlo mucho porque me parece que en este mundo tiene que haber de todo, aunque me moleste tanto reconocimiento y honores a lo que no concuerda con mi particular sentido estético y ético, como a todo hijo de vecino. Se me queda cara de tonto una vez más, me enfado, me tomo una cerveza, me pego una siesta, escribo un mega rollaco y lo publico un mi blog porque tanta represión no puede ser buena (aunque publicar lo que a uno le viene a la cabeza a menudo sólo trae que problemas, con los amigos y con los enemigos).

Pero no seamos malos y dejemos la última palabra a Anne Teresa (ver vídeo), si ella no hubiese creado esta pieza en los 80 yo me hubiese dedicado a leer a Henry Miller en el avión y no hubiese dedicado todo este tiempo a darle vueltas a la estética de Bartók y a todos estos temas tan cruciales para el devenir del planeta y la Humanidad entera. En el fondo te lo agradezco, Anne Teresa. A ti, a Rosas, a los músicos y a los señores con barba y mallas que te han programado en Budapest. Muchas gracias a todos y no me hagáis mucho caso, que iba borracho.

Nota: todos los enlaces y demás elementos multimedia han sido añadidos con posterioridad a la escritura original de esta entrada, escrita rigurosamente y a pelo en Word, salvo algunas trampas (no fui capaz de escribir correctamente el apellido de Anne Teresa, lo reconozco).

Actualización (13/05/2011):
Bueno, mirándolo con algo más de distancia, pienso que algo tendrá que ver en todo esto que me haya educado con Bartók y no con Anne Teresa de Keersmaeker. No soy nada objetivo. Lo mismo que me pasa a mí con esta coreografía le debe pasar a mucha otra gente con la música de Bartók.

Llevo un tiempo dándole vueltas a temas con los que me doy de narices cada día y que se me mezclan y se me conectan como:

• el transmedia más allá de la multidisciplina
• lo que encierra la pregunta “¿y ahora qué vas a hacer con todo este material?” después de la exposición de “ese material”
• la dictadura de lo que “funciona” y lo que “no funciona”, lo que está “bien escrito” y lo que no merece llamarse “pieza” u “obra”
• la sobrevaloración de los “acabados”, del “trabajo” o el “virtuosismo” que hay detrás de una creación, sin los cuales una “idea” no es suficiente (¿suficiente para qué?) o no tiene tanto valor
• el miedo a publicar y compartir los presuntos fracasos, a que se vean las vergüenzas, primer paso para aprender de ellas y fracasar mejor (como decía Samuel Beckett) o para darse cuenta de que no deberían avergonzarnos porque hay a quien le sirven, le interesan, le gustan (tanto o más que los trabajos acabados) o para descubrir que todos somos humanos, que la obra de los “genios” está construída sobre sus “fracasos” y que no hay auténtica investigación sin “fracaso” continuo y un “éxito” esporádico
• la (¿falsa?) idea de cuidar los contextos como algo conveniente en contraposición con mezclar contextos sin ningún pudor (¿está tan claro que mezclarnos sea peor o podría ser que ayudase a acabar con ciertos apartheids undergrounds?)
• la preocupación por “conducir” al público, lo que Cage llamaba a lo bestia el “arte fascista”, ese que pretende que todos vamos a sentir o experimentar en cada momento lo que el autor ha decidido por nosotros, sin tener en cuenta que nosotros cada uno somos de su padre y de su madre y que seguimos siendo libres para tener nuestros propios viajes y nuestros propios gustos personales contrapuestos entre sí
• la excesiva presión que se ejerce para que los creadores se vean obligados a justificarse teóricamente (Carlos Marquerie, en la charla que dio en el Teatro de los Manantiales, me hizo darme cuenta de que no son pocos los que piensan que esa presión realmente es excesiva)
• el conflicto que produce la discusión: que en vez de construir y enriquecernos juntos a partir de la diferencia, la curiosidad y el respeto, la discusión se convierta en una lucha destructiva siempre en constante competición de egos para ver quién es “el más”, partiendo de la desconfianza
• el “problema” del exceso de información y la frecuencia de publicación (¿es un problema disponer de mucha electricidad?)

Ahí es ná.

Y ahora insisto (qué pesao) con uno de los personajes que me hace pensar en todo esto.

Vídeo del Ultrashow de Miguel Noguera en UCMCÓMIC [Jornadas de cómic de la Universidad Complutense de Madrid]

Primero lo presentan con grandes palabras ante un auditorio universitario en unas jornadas sobre cómic. Luego ejecuta un nuevo Ultrashow, esta vez ayudándose de unos dibujos suyos proyectados en una pantalla. Muchos de los dibujos que utiliza Miguel Noguera en su presentación los fue publicando antes en su blog entre el 14 y el 23 de febrero. Noguera siempre está abriendo la creación al público, no para de publicar ideas en su blog o en su twitter, las presenta en el programa de radio de Manel Fuentes, en sus Ultrashows en lugares dispares, desde el MACBA a la oficina de YP, el ZEMOS98, el salón de una casa o una sala de conferencias en la universidad, como en este caso.

Más información sobre la amistad, vídeo de Vengamonjas con Miguel Noguera

Más información sobre la amistad from Venga Monjas on Vimeo.

Vienna Staats Opera. Otello de Verdi. 30 de junio del 1991.”Nada más empezar sentimos una especie de electricidad en el aire, el sentimiento que esa noche las estrellas están en el sitio correcto, sternstunde (gran momento), como se dice exactamente en alemán, y al final del Acto II, el dueto entre Otelo-Lago, el público explotó, se puso como una fiera. Cuando acabó salimos a recibir los aplausos. Los solos, los de grupo, y después de media hora o 40 o 50 llamadas a escena, continuábamos allí.

Ya por entonces estábamos cansados de sonreír, de la misma manera que sonríes cuando estás en la recepción de una boda, y después de una hora y veinte minutos y 101 llamadas a escena, nos fuimos!”.

Lo que pasó ayer en el Bilborock fue memorable. Bueno, yo al menos me voy a acordar. Vicente Arlandis presentó Thank you very much por primera vez dentro del Festival BAD. Thank you very much es un proyecto sobre los aplausos que reciben los artistas sobre el escenario. El Festival BAD de Bilbao invitó a Vicente Arlandis a que realizase una acción relacionada con ese proyecto y Vicente montó un dispositivo muy sencillo pero muy potente que dudo si desvelar o no. Sólo daré una pista: dura 101 minutos y el público lo sabe desde el principio. Pocos aguantaron hasta el final pero los que aguantaron me pareció que estaban entusiasmados y enfervorecidos. Vicente nos regaló una experiencia que difícilmente volveremos a vivir. El público, al final de la acción, aplaudió a rabiar durante 8 minutos seguidos, una barbaridad. Seguramente Vicente no tenía ni idea de que la acción iba a acabar así, aunque supongo que habría contemplado esa posibilidad más bien remota, no lo sé. En cualquier caso, el público accionó el dispositivo a su manera y decidió cómo se acababa la acción (el cuándo lo sabía desde el primer momento, casi). Lo que habrá pasado por la cabeza de cada uno es algo que cada uno se lleva a su casa. Nunca me había parado a reflexionar durante tanto tiempo sobre el aplauso y los saludos, vaya temazo. Esta es una de esas acciones a las que algunos llaman “arriesgadas”. Bueno, arriesgadas porque no es a lo que nos tienen acostumbrados. Pero quién te dice que algún día lo “arriesgado” no sea montar uno de esos espectáculos llamados “apuesta segura”. Sacando pecho, gracias Vicente, ¡estamos aquí!

THANK YOU VERY MUCH
Festival BAD
Bilborock, Bilbao, 31 de octubre de 2009 20h
Idea e investigación: Vicente Arlandis
Intérpretes: Vicente Arlandis y Sandra Gómez
Ayudante: Ximo Rojo
Colaboran: Ayuntamiento de Valencia, Mugatxoan, INAEM.

ACTUALIZACIÓN (2/11/2009): Thank you very much dura 81 minutos, no 101 como escribí ayer. Fue un lapsus. 101 son las salidas a escena que realizaron los intérpretes de Otelo en la Vienna Stats Opera en 1991, el día que se batió el record Guinnes de aplausos.

Es curioso. Cuando el Festival Mapa publicó esta entrevista a Amalia Fernández me pareció super interesante. Me gustó mucho el formato, Amalia conduciendo el coche mientras Tomàs Aragay la entrevista filmándola desde el asiento de copiloto. Me pareció que estaba muy bien que la entrevistasen mientras ella estaba en pleno proceso creativo con su pieza, Kratimosha. Me pareció que ella se explicaba muy bien pero, aunque sabía quién era Amalia Fernández, yo no la había visto todavía en el escenario. Me quedé con algunas cosas de las que explicaba, más bien cosas anecdóticas, como que había trabajado con Juan Domínguez y Mónica Valenciano, por ejemplo, con su reflexión sobre lo conceptual y lo que ella llama la sangre, aunque no me acordaba de que le llamase así a eso. El viernes vi el estreno en Pontós, en el festival, y, aunque las circunstancias eran bastante adversas (era la última actuación, a las 10 de la noche, llevaba desde las 5 de la tarde viendo cosas, hacía mucho calor en la sala, me tocó en la última fila y casi me tenía que levantar para ver lo que pasaba en el suelo del escenario), la verdad es que me fascinó. Hoy vuelvo a ver la entrevista y para mí es como si fuese otra entrevista. Me fijo en otras cosas, me interesa dos mil veces más, la entiendo mucho mejor y saboreo mucho más lo que explica. Es como si esta entrevista, hecha antes de estrenar, fuese un artefacto diseñado para explotar cuando la ves después de haber visto el estreno. Igual es porque, como dice Eduardo Punset, después de presenciar el estreno de Kratimosha, he cambiado, las conexiones que mis neuronas han hecho mientras contemplaba el universo que Amalia crea en Kratimosha han modificado la estructura de mi cerebro. Sin exagerar, pero ya no soy el mismo y ahora ya estoy preparado para que Amalia me explique cómo prepara los platos que sirve en el escenario, con la ayuda y la voz de su vecina Katy (¿se escribe así su nombre? ¿cuál es su apellido?) y la colaboración de Lidia G. Zoilo y Nilo Gallego (el sonido es una parte importante de la pieza).

Me gustaría volver a ver la inquietante proyección/instalación de Marc Vives y Víctor Pérez, que vi por la tarde en Ca n’Oliver. Por la misma razón. Creo que es como un LP. Un disco, a no ser que la primera vez no te haya dicho nada, no te lo escuchas una sola vez, te lo escuchas varias. Incluso, a veces, la primera vez no le has acabado de pillar el rollo pero con el tiempo vas cogiéndole el tranquillo y descubriendo detalles que la primera vez te pasaron desapercibidos. Mientras veía el vídeo me di cuenta de que en las paredes de la sala había unos papeles colgados. Cuando acabó la proyección me acerqué a ver alguno de ellos. Parecían una especie de plan de trabajo del proceso de creación del vídeo. En algunas escenas habían escrito el nombre de algunas películas como si fuesen referencias: El Padrino, Bienvenido Mister Marshall, … Después de ver esos papeles más o menos indescifrables daban ganas de ver otra vez el vídeo con esa nueva información. No sé si ese vídeo se presentará en algún otro lugar porque parece un proyecto específicamente creado para Mapa (según la web del festival es un trabajo de campo con los vecinos de Pontós realizado durante dos meses). Me gustaría que lo publicasen en Internet y poder verlo tranquilamente un par de veces más. No sé si eso es posible.

La Evacuación de Alexandra Broeder tenía muy buena pinta pero llegué tarde y me la perdí. Sólo pude ver el inicio, cuando una niña con cara de mala leche daba instrucciones a los adultos participantes para que cogiesen de la mano a una persona desconocida. Luego, otros niños también con caras de muy mala leche, se llevaban a la tropa, cogiditos de la mano y en silencio, hacia el bosque, o hacia el campo de concentración, más bien daba esa impresión. Daba un poco de miedo. Por un momento casi me alegré de haber llegado tarde. Joder con los niños, qué buenos.

Festival MAPA 09
Accions en el paisatge
11 de septiembre
Pontós (Alt Empordà)

Otras crónicas de Quim Pujol, Crítico con peluca, sobre el festival Mapa 09:

“Evacuació” de Alexandra Broeder, 11/9/2009, Festival MAPA
“Bicho” y “Kratimosha”, 11/9/2009, Festival MAPA
Segundo día en MAPA, 12/9/2009